@the.hives Replying to @Kim ⚭ he eats alot actually! #rock #altmusic #thehives
♬ Two Kinds Of Trouble - The Hives
Ich war privat™ nie wirklich auf Konzerten. Aber für The Hives würde ich tatsächlich nochmal ein paar Scheine auf den Tisch legen. Also für so einen netten Platz am Rand. Weil ich alt bin.
Herrlich, mit wie viel Witz, Charme, Tempo und Schlagfertigkeit Yasujirō Ozu die Kräfteverhältnisse innerhalb einer Ehe verhandelt.
Herrlich, mit wie viel Witz, Charme, Tempo und Schlagfertigkeit Yasujirō Ozu die Kräfteverhältnisse innerhalb einer Ehe verhandelt. Dass die ziemliche Schlagseite haben, wird schnell klar. Die Frauen müssen ein elaboriertes Lügenkonstrukt errichten, nur um mal ungestört mit ihren Freundinnen auf Tour gehen zu können. Währenddessen wähnen sich die Männer als über den Dingen stehende Taktangeber, verspielen aber gleichzeitig bei Hunderennen und Pachinko ihr Geld und denken, „Peanut“ ist das englische Wort für „Wanze“. Was sich jedoch immer deutlicher hervortut: Es sind die Frauen, die das Kartenhaus vorm Einsturz bewahren und den Laden am Laufen halten – sei es in der Ehe oder als Hausbedienstete, ohne die die Männer wohl verhungern würden.
Was mich angesichts der Entstehungszeit und dem gesellschaftlichen Kontext des Films sehr beeindruckt hat: Ozu bringt hier extrem vage angedeutet eine Affäre der Frau ins Spiel – also jedenfalls einen Moment, der sich so lesen lässt. Jedoch verweigert sich Ozu einem Moralurteil und verwebt den Moment der scheinbaren Untreue elegant mit dem Erkenntnisprozess der Figuren, macht ihn zu einer wichtigen Zwischenetappe auf dem Weg zu einem verständnisvolleren Miteinander.
Als Zuschauer:in ist es zudem unmöglich, sich nicht zu den Themen des Films zu verhalten. Denn Ozu lässt in Dialogen viele Figuren direkt in die Kamera blicken und so die eigentlich an das Gegenüber gerichteten Fragen direkt an das Publikum richten. Die Figuren hinterfragen das Verständnis von Geschlechtergerechtigkeit und Verhalten innerhalb von Beziehungen sowie die Moral des Publikums. Clever.
★★★★☆
David Fincher fällt mit seinem Perfektionismus auf extrem fruchtbaren Boden.
David Fincher versucht zu ergründen, ob und wie ein nur einen kybernetischen Eingriff vom Maschinendasein entfernter Nihilist zum Mensch werden kann. Was passiert, wenn I. Don’t. Give. A. Fuck., Empathy is weakness. und Stick to your plan. Anticipate, don't improvise. Trust no one. plötzlich auf Lebenssinn und die Frage nach Erfüllung trifft? Es ist auch ein bisschen so, als ob sich Fincher mit der Kamera vor einen Spiegel gestellt und dann losgefilmt hat (David Fincher is a perfectionist.). Deshalb ist Fincher auch prädestiniert dafür, diesen Stoff zu inszenieren. Sein Streben nach vermeintlicher Perfektion, seine Detailversessenheit, das strenge Regelwerk im „Job“, Präzision als eine der obersten Maximen – all das ist auch in Michael Fassbenders namenloser Killerfigur zu erkennen.
Fincher nutzt mehrere verschiedene Erzählebenen, um diese Figur zu Formen. Im inneren Monolog bzw. Voiceover wiederholt der Killer immer und immer wieder seine Maximen, redet derart mantraartig gegen den Kontrollverlust an, als ob Manifestation kein esoterischer Mumpitz wäre. Dann die rein physischen Bewegungen des Killers, die allesamt einem klaren Zweck dienlich sind, sich zunächst nicht vom sich ausbreitenden Chaos vereinnahmen lassen. Selbst im Sounddesign spiegelt sich die fast ausschließlich auf Kontrolle ausgerichtete Weltwahrnehmung des Killers wider, wenn während eines Dialogs im Restaurant plötzlich die sich öffnende und dann wieder schließende Tür klar erkennbar hochgezogen wird. Und die strenge Bildästhetik schnürt das Paket dann zusammen.
Umso bemerkenswerter, dass Fincher dem Killer die Tür zur Menschwerdung trotzdem öffnet, dafür jedoch den Bruch mit praktisch allen Regeln einfordert und so dessen streng durchkalkuliert gelebte Vergangenheit entfesselt und zu einer nicht ganz absteckbaren Bedrohung werden lässt. Der Killer wird von den Geistern, die er selbst gerufen hat, heimgesucht. Fate is a placebo. The only life path is the one behind you.
★★★★☆
Ein geschenktes Sporttrikot erzählt alles über russischen Imperialismus.
Es ist wirklich gut, wie dieser Film den strukturellen Antiziganismus und den Fremdenhass per se herausarbeitet, wie sich diese Grundüberzeugungen durch alle Schichten und Lager ziehen und wie sie genutzt werden, um den Menschen ohne ökonomische Perspektive Sündenböcke hinzustellen und sich so selbst aus der Verantwortung zu ziehen. Außerdem ist zu sehen, was passiert, wenn Wahrheit keine Rolle mehr spielt und nur die überzeugendste Erzählung, den am meisten resonierenden Vibe erzeugt, zählt. Davon profitieren letztlich nur rechte Demagog:innen, die tragische Momente für ihre Zwecke missbrauchen und umdeuten.
Gleichzeitig zeitlos, aktueller denn je und zudem noch ziemlich clever ist die Art und Weise, wie der imperialistische Allmachtsanspruch Russlands mit nur einer einzigen Geste – dem Geschenk eines Sporttrikots in den Farben der russischen Flagge – verwoben wird. Es verortet (zumindest politisch) die Strippenzieher:innen und nutzt dafür geschickt eines der in der Vergangenheit wichtigsten Propagandawerkzeuge Russlands: den Sport.
Mein größter Kritikpunkt am Film ist die Distanz, die er stets zu seinen Figuren und deren Politik wahrt. Letztlich bleibt er so zu weit weg, um Milieustudie zu sein. Zu weit weg, um Porträt einer Mutter zu sein. Zu weit weg, um der strukturellen Xenophobie wirklich auf den Grund gehen zu können.
★★★½☆
Agnès Varda nähert sich über den magischen Realismus dem Wesen des Menschen.
Agnès Varda nähert sich über den magischen Realismus dem Wesen des Menschen. Wieviel ist naturgegeben, wieviel ist Prägung? Welche Rolle spielen gesellschaftliche Dynamiken, die zuerst von außen wirken und dann hereinziehen? Für ihre Versuchsanordnung setzt Varda zumindest einen Menschen auf Null, lässt ihn seine Prägung vergessen und wirft ihn dann in eine vermeintlich gefestigte Struktur. Und sie kommt zum dem Schluss: Der Mensch kann sich für das Gute entscheiden und dafür kämpfen. Varda bedient sich dabei eines unkonventionellen Werkzeuges, das mich an Ingmar Bergmans THE SEVENTH SEAL (1957) erinnert hat, für das gleiche existenzielle Gewicht jedoch für meinen Geschmack etwas zu gimmicky ist.
★★★½☆
Yasujirō Ozus bleibt Film bis zuletzt von grenzenloser Empathie und Liebe getrieben.
Yasujirō Ozu ist einfach ein Meister darin, dem alltäglichen Leben mit all seiner Melancholie, mit den kleinen schönen Momenten und der lauernden Unsicherheit, mit der Liebe in Familie und Freund:innenschaften Gestalt auf der Leinwand zu verschaffen. Dazu Setsuko Hara, die mit Ozus Stoffen eine perfekte Symbiose eingeht, durch die der Filmemacher sein Ansinnen kanalisieren kann.
Denn wie kann ein postfaschistisches Japan keine zehn Jahre nach Ende des Zweiten Weltkrieges weiter in solch einer starren, sich auf Traditionen und Etikette berufende Gesellschaft leben? Wie können derartige patriarchale Denken weiter unangefochten bestehen bleiben? Wie gelingt die Emanzipation von der Diktatur des unmenschlichen Denkens? Damit setzt sich Ozu über Setsuko Haras Figur Noriko, die das explizit sowie implizit verhandelt, auseinander.
Auf formaler Ebene wird mit unzähligen Feinheiten gearbeitet. Da gibt es den kleinen Jungen, der bei dem vermeintlich tauben Bruder seines Opas trotz lauten Schreiens scheinbar kein Gehör mehr findet, so den sinnbildlichen Bruch zwischen den Generationen verkörpert. Oder Norikos Vater, der zunächst unzufrieden mit Norikos letztlicher Ehemannsauswahl etwas resigniert über die Straße schlurft und von der vor ihm herunterkommenden Schranke am Bahngleis zum Stillstand gezwungen wird, ihm und damit sinnbildlich seinem Denken Einhalt geboten wird.
Und doch bleibt Ozus Film bis zuletzt von grenzenloser Empathie und Liebe getrieben. Ein herausragendes Werk.
★★★★½
Filme. Medien. (Netz-)Kultur. Undso. Von André Pitz. ❣️
